Сведение при написании музыки: хорошо или плохо?

Дэниел Диксон, один из сотрудников iZotope, написал для блога компании заметку, в которой порассуждал о двух подходах к продюсированию треков, применяющихся сегодня. Один консервативен и фокусируется на строгом разделении написания, аранжировки, записи и сведения, а последовательность этапов определена заранее и не предусматривает внесения изменений в проект. Второй — более современный, получивший название «Сведение при написании», и предполагающий параллельное выполнение всех этапов. По мнению автора, оба подхода имеют право на существование, и обладают собственными плюсами и минусами.

Редакция SAMESOUND.RU приводит адаптированный перевод текста.

Из-за того, что при написании, аранжировке и сведении музыки используются одни и те же программы и плагины, границы между этими процессами сильно размыты. Определить, где заканчивается один этап работы над песней и начинается другой невероятно сложно. Появившаяся вместе с развитием музыкальных и компьютерных технологий концепция «Сведение при написании» оказала невероятное влияние на процесс создания современной музыки, но вместе с тем она же является одним из самых спорных моментов продакшена в нынешнем его виде.

Задолго до того, как песня написана, мы активируем плагины на мастер-канале, определяемся с панорамированием и компрессией. Мы ещё не придумали партии инструментов, но уже решаем, на каких уровнях громкости они зазвучат в миксе. В принципе, если мы можем решить это здесь и сейчас, то какой смысл дожидаться завершения написания песни?

Один за всех

В отличие от популярной музыки, где длина песни, её размер и выбор инструментов ограничены, электронные музыкальные жанры более открыты нестандартному подходу к работе. Написание треков в танцевальной и электронной стилистике неразрывно связано со сведением: зачастую звучание мелодий диктуется саунд-дизайном, а отдельные инструменты и сигналы обязаны своим звуком эквалайзеру, компрессору, параметрам автоматизации и многим другим вещам. Композиция ещё не готова даже на треть, но саунд практически всех инструментов аранжировки уже сформирован плагинами.

При таком подходе постепенно собирается библиотека звуков и пресетов, готовых к использованию в любой момент. Такой каталог мощно повышает эффективность: вместо того, чтобы каждый раз крутить всё с чистого листа, можно писать музыку на основе звуков и настроек, которые уже сведены. Это экономит десятки часов, а единственное, что остаётся — слегка подстроить все дорожки под каждый конкретный случай. К тому же, если после правок партия звучит не очень, её можно без проблем переписать, так что гибкость работы у такого подхода невероятно высока.

Тем не менее у сведения при написании музыки есть две проблемы, избежать встречи с которыми непросто: увернётесь от одной — нарвётесь на другую. Увлечение вращением ручек сильно ограничивает творческий процесс. Менять настройки можно бесконечно долго, но даже самый крутой и жирный звук не делает трек интересным — слушателям попросту нечего оценивать, ведь как таковой песни нет. На выходе музыканты либо не выпускают ничего, либо выпускают бесформенное нечто — саунд отличный, но содержание на нуле.

Те, кто понимают это, часто становятся заложниками обратной ситуации. Боясь застрять в продакшене, музыканты забивают на сведение в погоне за быстрым и громким результатом. Вместо того, чтобы грамотно подготовить трек к релизу, люди хаотично накидывают на мастер-канал плагины, которые ограничивают сигнал и задирают громкость. В итоге на выходе получается инвалид — песня хороша сама по себе, но звучит отвратительно.

Излишнее увлечение вращением ручек — основная проблема современных продюсеров и музыкантов. Из-за этого многие треки так никогда и не выходят за границы студии.

Определить, подходит ли вам такой подход, можно следующим образом. Создайте проект, в котором вы всё сделаете параллельно. Доведите его до логического конца и сохраните изменения. Теперь сделайте копию этого проекта, уберите из него все плагины и забудьте о нем на некоторое время. Спустя пару дней откройте копию и сведите её. Сравните результаты: если первая версия звучит лучше — пользуйтесь сведением по ходу написания, если же вторая — работайте поэтапно. Метод очень топорный, но иначе найти подходящий метод работы сложно.

Разделяй и властвуй

Продюсер и звукорежиссер — две отдельные роли с разным набором навыков. Популярная музыка смотрит на работу с треком, как на комплекс задач, выполняемых множеством людей: музыкантов, продюсеров, инженеров, техников и звукорежиссеров. По этой причине одни этапы требуют концептуального и творческого подхода, другие — более сфокусированного и структурированного взгляда. Логика в том, что каждый должен заниматься своим делом: продюсер — писать музыку, звукорежиссер — сводить её.

Обычно работа над песней проходит в пять этапов:

1. Написание — создание скелета песни, определение тематики и настроения, размера, тональности, темпа и написание текста
2. Композиция — написание и запись инструментальной части, вокала
3. Аранжировка — дописывание недостающих элементов, расположение партий по треку
4. Сведение — обработка отдельных дорожек, устранение частотных конфликтов и придание треку желаемого звучания
5. Мастеринг — финальные творческие и технические доработки перед выпуском песни

Главная особенность при таком разделении в том, что каждый шаг изолирован от остальных. Откатиться назад, чтобы исправить или переделать что-то уже не выйдет: продюсеру не под силу переписать текст песни, а звукорежиссер не может пересмотреть аранжировку.

В теории, поэтапный подход значительно повышает итоговое качество трека. При параллельной работе мы выступаем и в роли звукорежиссера, и в роли продюсера, а сведение становится всего лишь дополнением к написанию. При разделении процессов мы уделяем каждому этапу должное внимание, не отвлекаясь на другие задачи, поэтому сведение становится переходной фазой на пути от демки к законченному треку. Конечно, такой вариант работы потребует знаний во всех областях продакшена и займет больше времени, но это компенсируется равномерной прокачкой: музыкант равномерно развивается и как композитор, и как продюсер, и как звукорежиссер.

С другой стороны, если каждый должен заниматься своим делом, то лучше стать про в чём-то одном, чем нахватать поверхностных знаний по всему продакшену. Такой взгляд на вещи пригодится новичкам: можно отдать какие-то этапы работы над треком на аутсорс и переключиться на развитие тех навыков, которые вам реально интересны. Проблем в таком развитии ровно две: поиск подходящих людей, чья работа понравится вам, и деньги, так как далеко не все согласятся сводить или аранжировать ваши опусы за идею.

И что в итоге?

Какой путь выбрать — каждый решает сам. Сегодня музыкальная индустрия стала местом, где всего лишь один человек за компьютером может спродюсировать и выпустить качественный коммерческий хит. Композиторы превращаются в универсалов, которым под силу сделать всё в одиночку, а границы между музыкальными профессиями размываются. Хорошо это или плохо — вопрос открытый.