Сведение при написании музыки: хорошо или плохо?

Границы между написанием, аранжировкой и сведением музыки сильно размыты — мы используем одни и те же программы для выполнения всех этих процессов, из-за чего определить, где заканчивается один этап и начинается другой невероятно сложно. Развитие технологий и размытые границы привели к появлению концепции «Сведение при написании музыки», серьёзно повлиявшей на то, как продюсируется музыка в наши дни и, вместе с тем, ставшей одним из самых спорных моментов продакшена в его нынешнем виде.

Вспомните себя за работой: ещё задолго до того, как песня написана, мы активируем плагины на мастер-канале, определяемся с панорамированием, добавляем компрессию. Партии инструментов ещё не придуманы, но мы уже решаем, на каких уровнях они будут жить в миксе. Это кажется нам логичным: если мы можем решить всё здесь и сейчас, то какой смысл ждать, когда песня допишется? Но так ли всё хорошо и прекрасно в таком опережающем подходе?

Один за всех

В отличие от популярной музыки, где длина песни, её размер и набор инструментов довольно ограничены, а композиции пишутся командами опытных продюсеров, электронная и танцевальная музыка более открыты к экспериментам. Оба этих направления живут и развиваются благодаря энтузиастам, что позволяет им использовать любые подходы к вопросу организации работы, руководствуясь принципом личного комфорта и удобства.

Электронные и танцевальные музыканты и продюсеры зачастую представляют собой эдакий человек-оркестр, умеющий работать с аранжировкой, писать песни, «накручивать» новые звуки, сводить музыку и делать много чего ещё. Всё это, помноженное на желание выделиться среди множества других авторов и исполнителей, делает написание песен комплексным процессом, плотно завязанным на саунд-дизайн и сведение: звучание мелодий нередко диктуется звуковым дизайном, а отдельные сигналы становятся итогом активного применения эквалайзеров, компрессоров и других обработок.

Всё это складывается в парадоксальную ситуацию: мы сводим музыку ещё до того, как появляется сама музыка. Песня ещё не написана даже на треть, у неё нет аранжировки и текста, нет вокальной линии и прочего содержания, но уже есть сформированное звучание.

Подход, при котором мы знаем, как будут звучать инструменты в треке, формирует уникальную библиотеку звуков, пресетов, цепочек эффектов и патчей, готовых к использованию в любой момент. Тщательно собранный каталог значительно повышает эффективность продюсера: вместо того, чтобы каждый раз крутить всё с чистого листа, можно писать музыку на основе звуков и настроек, которые уже давно подготовлены сведены.

Это экономит десятки часов, а единственное, что остаётся — слегка подстроить все дорожки под каждый конкретный случай. К тому же, если после правок партия звучит не очень, её всегда можно переписать с использованием других пресетов и настроек, так что гибкость работы здесь невероятно высока. В итоге получается, что музыка, в лучшем случае, сводится одновременно с тем, как она пишется, а в худшем — ещё до этого.

Однако у сведения при написании проявляются две проблемы, избежать встречи с которыми довольно сложно: увернётесь от одной беды — нарвётесь на другую. Во-первых, увлечение вращением ручек сильно ограничивает творческий процесс: менять настройки можно бесконечно долго, но даже самый крутой и жирный звук не сделает песню интересной — слушателям попросту нечего оценивать, ведь как таковой песни ещё не существует. На выходе музыканты либо не выпускают вообще ничего, либо выпускают нечто бесформенное — саунд отличный, но содержание на нуле.

Те, кто понимают это, либо отказываются от всех этих крутилок, передавая часть задач на фриланс (как тот же Skream, о чём мы рассказывали ранее), либо становятся заложниками обратной ситуации. Опасаясь застрять в продакшене, музыканты полностью забивают на сведение в погоне за быстрым и громким результатом. Вместо того, чтобы грамотно подготовить трек к релизу, люди хаотично накидывают на мастер-канал плагины, ограничивающие сигнал и задирающие громкость. Конечно, такой трек может сработать и даже выстрелить, но обычно дело заканчивается тем, что музыканты выпускают инвалидов — хорошие песни с отвратительным звучанием.

Излишнее увлечение вращением ручек — основная проблема современных продюсеров и музыкантов. Из-за этого многие треки так никогда и не выходят за границы студии.

Чтобы определить, подходит ли вам сведение при написании и параллельность процессов, создайте новый проект и доведите его до логического конца. Пусть это будет 30-секундная зарисовка, но суть работы должна заключаться в том, чтобы делать всё одновременно: писать и аранжировать идею, сводить синтезаторы, крутить мастер-канал и так далее. Сохраните изменения и закройте проект на пару дней. Спустя время создайте копию проекта, уберите из него все эффекты и обработки и аккуратно сведите трек.

Сравните результаты: если первая версия звучит лучше — пользуйтесь сведением по ходу написания, а если вторая — работайте поэтапно. Метод очень топорный, но иначе понять, насколько параллельность совместима с вашими навыками понять сложно.

Разделяй и властвуй

Продюсер и звукорежиссёр — две отдельные профессии, требующие разного набора навыков. Популярная музыка смотрит на работу с треком, как на комплекс задач, выполняемых множеством людей: музыкантов, продюсеров, инженеров, техников и звукорежиссёров.

Этапы производства музыки не так просты, как кажутся, и предполагают постоянную смену подходов. Так, например, одни пункты требуют концептуального и творческого подхода, в то время как другие — более сфокусированного и структурированного взгляда. Логика в том, что каждый должен заниматься своим делом: продюсер — писать музыку, звукорежиссер — сводить её.

Обычно работа над песней проходит в пять этапов:

1. Написание — создание скелета песни. Определение тематики и настроения. Выбор размера, тональности и темпа. Написание текста.
2. Композиция — написание и запись инструментальной части, вокала.
3. Аранжировка — дописывание недостающих элементов, расположение партий по треку.
4. Сведение — обработка отдельных дорожек, устранение частотных конфликтов и придание треку желаемого звучания.
5. Мастеринг — финальные творческие и технические доработки перед выпуском песни.

Основная особенность этих этапов в том, что каждый шаг строго изолирован от остальных. Откатиться назад, чтобы исправить или переделать что-либо не выйдет: продюсеру не под силу переписать текст песни, а звукорежиссёр не сможет пересмотреть аранжировку.

Теоретически, поэтапный подход значительно повышает итоговое качество трека. Каждый занят своими задачами и старается сделать свою работу максимально хорошо. При параллельной работе ответственность за провалы может быть не определена: кто и когда внёс правки, которые испортили микс и уничтожили песню, выяснить не удастся.

При параллельной работе музыкант выступает и в роли звукорежиссёра, и в роли продюсера, что подразумевает, что сведение дополняет написание, а написание — сведение. Однако, если мы хотим добиться максимально возможного качества, то такой подход требует от нас больших знаний и умений — надо быть достаточно прокачанным в каждом из пяти этапов, о которых мы говорим выше.

При разделении процессов, даже если мы работаем в одиночку, работа несколько упрощается, хотя и занимает значительно больше времени. При таком подходе мы уделяем каждому этапу всё своё внимание, не отвлекаясь на другие задачи, благодаря чему каждый пункт становится не дополнением, а развитием предыдущего шага.

Вместе с тем, разбиение на этапы требует знаний во всех областях продакшена: нужно разбираться и в композиции, и в аранжировке, и в сведении и мастеринге. В итоге музыкант вынужден равномерно прокачиваться по всем фронтам, развиваясь и как композитор, и как продюсер, и как звукорежиссёр. Конечно, если хватит времени, сил, усидчивости и желания.

Если мы принимаем то, что каждый должен заниматься своим делом, то лучше прокачаться в чём-то одном, чем нахвататься поверхностных знаний по всем вопросам продакшена. В этом есть смысл: можно отдать какие-то этапы на аутсорс, сосредоточившись на развитии тех навыков, которые по-настоящему интересны.

Тем не менее воспринимать аутсорсинг как панацею не стоит, так как с ним также связаны две неприятные проблемы, требующие времени и сил на их решение. Во-первых, понадобится найти подходящих людей: тех, чьи аранжировки, сведение или мастеринг понравятся вам. В зависимости от того, в каком стиле вы работаете, и в каком навыке развиваетесь, придётся поискать специалистов, которые смогут реализовать и раскрыть ваши идеи.

Сколько времени займет поиск, неизвестно. Подходящие люди могут как найтись за пару часов, так и не найтись вовсе — всё здесь зависит от удачи. Плюс, не стоит сбрасывать со счетов и личностный момент: с аутсорсерами придётся выстраивать отношения и принимать риски, связанные с возможными расхождениями взглядов, неисполнительностью и так далее.

Во-вторых, понадобятся деньги. Даже если их работы придутся вам по душе, вряд ли кто-либо станет сводить или аранжировать ваши опусы за идею. При этом затраты на тех, кто вам нравится, могут быть непомерно высокими, из-за чего придётся искать кого-то, кто стоит дешевле, но и делает по-другому.

И что в итоге?

Какой путь выбирать, каждый решает сам. Сегодня музыкальная индустрия стала местом, в котором один человек за компьютером может спродюсировать и выпустить настоящий хит. Композиторы превращаются в универсалов, способных делать всё самостоятельно, а границы между музыкальными профессиями размываются. Хорошо это или плохо, покажет время.