Как записать песню: 6 этапов создания качественного трека

Как музыкант и композитор, я знаю, что цель каждого из нас в домашней студии — создавать убойные хиты, которые одинаково хорошо звучат как на радио и ТВ, так и в социальных сетях и других источниках.

У вас есть отличные идеи для будущих песен. Беда в том, что вы не знаете, как правильно перенести эти идеи из своей головы в реальный мир, превратить мысли в качественные треки. Чтобы решить эту проблему, я написал руководство «6 Steps To a Radio-Ready Song», в котором расскажу о 6 этапах, через которые должна пройти любая песня, чтобы звучать отлично.

Речь не будет идти о каких-то конкретных методиках: из этого гайда вы не узнаете, какие ручки на эквалайзере крутить и как сводить бас-бочку. Я собираюсь рассказать о том, как вести работу над качественной музыкой, не более того.

Даже если музыка никогда не попадет в радиоэфир, каждый музыкант хочет, чтобы его песни звучали не хуже, чем то, что он слышит у «больших дядей и тётей». После прочтения этого руководства вы поймете, как делать качественную музыку в своей домашней студии. Более того, я уверен, что мои советы мотивируют вас вернуться к работе и писать новые отличные песни.

Слова и мелодия

Качественные и хитовые песни начинаются задолго до посещения студии. Их отправная точка — хороший текст и яркая мелодия. Любой, даже самый крутой вокальный микрофон бесполезен, если текст скучный, а мелодия не запоминается.

Несмотря на очевидность этих слов, меня не перестает удивлять, как домашние музыканты игнорируют работу над текстом и мелодической составляющей композиции. Песня еще даже не придумана, а мучительные рассуждения об оборудовании и техниках звукозаписи уже вовсю идут.

Прежде чем думать о записи, вы должны написать отличную песню. Нельзя записать то, чего не существует.

Сложно сказать, что определяет хит — это очень субъективные вещи. Тем не менее, я верю, что хорошие песни отличает наличие нескольких ингредиентов.

Ингредиент №1. У каждой отличной песни есть запоминающаяся мелодия

Мелодия ведет песню вперед и делает ее запоминающейся. Именно с помощью мелодии трек «застревает» в голове слушателя. Если придуманная вами мелодическия линия слишком простая и блеклая, то она быстро забудется: через 2-3 песни слушатель уже и не вспомнит, что вы там записали. Сделайте все, чтобы мелодия была приставучей и хорошо запоминающейся.

Ингредиент №2. У каждой отличной песни есть запоминающийся текст

Слова неразрывно связаны с мелодией — через нее они попадают прямиком в мозг слушателя. Речь не идет о том, чтобы писать лирику с глубоким философским смыслом: достаточно одной реально хорошей строчки или фразы, которая запомнится людям. Совместив достойный текст с яркой мелодией вы обеспечите своей песне запоминаемость.

Ингредиент №3. В каждой отличной песне есть что-то необычное

Большинство песен следует проверенному сценарию: куплет, припев, куплет, припев, бридж, проигрыш, припев, концовка. Идти проторенным путем — нормально, в этом нет ничего плохого.

Тем не менее, в песне должен быть элемент, который удивит слушателя и произведет на него приятное впечатление. Это может быть неожиданный проигрыш, какой-то уникальный инструмент или звук в аранжировке, даже вокальный ход.

Слушателям нужно что-то такое, что заставит их подумать: «Вот это круто! Вот это необычно!»

Вне зависимости от вашего любимого стиля (EDM, рок, джаз, поп), вы должны написать яркую приставучую мелодию, достойный и запоминающийся текст и придумать хотя бы один необычный элемент для песни.

Это не просто. Хорошие новости в том, что все приходит с опытом: чем больше вы сочиняете, тем лучше становятся ваши песни, и тем проще вам придумывать клевые мелодии, тексты и элементы аранжировки.

Чтобы писать хорошие песни, не нужно быть гением от рождения. Вы можете стать таковым с течением времени. Песни обязательно станут лучше, просто убедитесь, что в них есть эти три секретных ингредиента.

Плохие новости в том, что написание песен — это упорный труд. Нельзя сидеть сложа руки и ждать, когда к вам придет муза. К написанию песен нужно относиться как к работе — лучшие авторы именно так и делают.

Аранжировка и планирование

Этап работы над аранжировкой и планирования будущей песни — самый недооцененный среди всех. По какой-то причине музыканты не уделяют достаточного внимания этому пункту или вовсе забывают про него.

Этот этап — один из самых веселых и вместе с тем полезных процессов для будущей композиции. Во время планирования и работы над аранжировкой закладывается фундамент качественного трека, что дает песне больше шансов понравиться слушателю.

Когда мы говорим об аранжировке и планировании, то подразумеваем ряд решений касающихся инструментального наполнения музыки. Сюда же входят все процессы, связанные с выбором битов, лупов, используемых виртуальных инструментов.

Представьте, что ваша песня играет на радио. Какова вероятность того, что вы смените радиостанцию после прослушивания первого куплета и припева своего трека?

С точки зрения композиции, современные песни очень похожи между собой. Это вполне нормально. Не нормально другое: схожая по своему содержанию песня, в которой все части звучат одинаково. Зачастую после прослушивания первого куплета и припева мы имеем полное представление о том, что будет дальше. Так какой смысл слушать песню дальше, если все в ней известно заранее?

Аранжировки большинства радиохитов никогда не останавливаются на чем-то одном, постоянно предлагая слушателю новый опыт в рамках песни. Композиторы делают все, чтобы удержать внимания пользователя с первых секунд и до самого конца трека: убирают инструменты из музыкальной картины, вводят в нее новых участников и многими другими методами всячески развивают течение музыки по ходу песни.

Среди приемов, которые удерживают внимание слушателя, можно привести такие примеры:

• Применение вокальных эффектов («голос из трубки», наложение дисторшна);
• Добавление перкуссии (шейкер, бубен);
• Введение синтезаторов, струнных, пэдов;
• Появление второй (дублирующей) или третьей партии вокала;
• Появление второй (измененной) партии гитары;
• Использование замедления или смены темпа.

Помните, что в качественной музыке (с крутой аранжировкой) новые элементы не добавляются беспорядочно, а появляются в определенных, «стратегически важных» местах. Например, можно сделать два совершенно разных куплета, в одном из которых звучат все инструменты, а в другом — только вокал и гитары (клавишные, ударные) или бас и синтезаторы.

Цель аранжировки — аккуратно провести слушателя через музыкальное повествование, сделав его путешествие интересным и необычным.

Схожие по содержанию части песни не должны быть полной копией друг друга. Разбейте все инструменты на группы и дайте каждой из них «минуту славы»: в одном куплете пусть звучит только группа из синтезаторов, баса и вокала, в другом — из ударных и вокала. Если песня никак не развивается, то она быстро теряет интерес слушателей.

Создание аранжировки — это сложно. Я сам часто сталкиваюсь с тем, что хочу показать слушателю все и сразу: вот четыре разных партии гитары, а вот клевые вокальные гармонии, оригинальные сбивки и все-все-все остальное. Несмотря на это я должен мыслить более здраво и понимать, когда, где и какие элементы стоит использовать, чтобы вовремя удивить слушателя. Не нужно вываливать на людей все сразу, но не стоит затягивать с введением новых элементов — ожидание слушателя должно вознаграждаться.

Возьмите написанную песню и методично пройдитесь по всем ее частям. Спросите себя: «Что нового есть в этой части?», «Чем новая часть отличается от предыдущей?». Как только вы расскажете самому себе об отличиях всех составных элементов трека, и выделите все индивидуальные и интересные моменты в них, то будете готовы двигаться дальше.

Запись

Итак, у нас есть отличная песня с запоминающейся мелодией, хорошим текстом, интересной и нескучной аранжировкой. Пришла пора записывать материал (ну наконец-то!)

Запись (или трекинг) — один из самых сложных этапов работы над песней. Трекинг превращает ваши идеи в реальность, и именно от качества записи зависит рождение хорошего трека.

По иронии судьбы, домашние музыканты во время записи начинают думать, что вся магия происходит на этапе сведения. Из-за этих мыслей появляется невнимательность и спешка, отношение к записи меняется («ой, это обычная фиксация того, как мы играем!»), а сам процесс проводится абы-как.

Я знаю, о чем говорю: ежемесячно я сталкиваюсь с сотнями музыкантов, которые хотят поскорее все записать и перейти к более важным вещам (сведению и мастерингу). Я и сам так часто думаю!

Тем не менее, если вы хотите создавать качественные песни, то запомните одну важную вещь:

Момент, на котором происходит вся магия — это запись.

Ни в коем случае не торопитесь, не делайте трекинг спустя рукава и не останавливайтесь на достигнутом.

У вас есть все необходимое оборудование. Прежде чем начинать процесс, запомните и постоянно держите в уме три простых правила, которые помогут вам добиться лучших результатов.

Правило №1. Расположение микрофонов — залог успеха

Не так важно, какой микрофон вы используете — важно, где вы установите микрофон в помещении. Разные варианты расположения очень сильно влияют на звук: приближение или отдаление микрофона от источника звука даже на пять-десять сантиметров радикально меняет картину.

Не идите простым путем («я поставлю микрофон строго напротив усилителя, и дело в шляпе!»). Вы ведь прекрасно представляете, как должен звучать инструмент, поэтому экспериментируйте и ищите оптимальное расположение микрофонов. Ведите поиск до тех пор, пока инструмент не зазвучит так, как вы видите звук инструмента в своей голове (или очень близко к этому).

Правило №2. Запись на максимально возможной громкости — большая ошибка

Запись на слишком высоких уровнях громкости и гейна — одна из самых распространенных ошибок, допускаемых музыкантами. Кто-то когда-то сказал музыкантам, что записывать надо на максимально возможном (до появления пиков, впритык к этому уровню) уровне громкости, и теперь все следуют этому ужасному моменту.

Чтобы инструменты звучали чисто и не растеряли своей музыкальности, уровень входящего сигнала должен быть в районе 50-75% от пикового значения. Если пики появляются на условной единице, поверните ручку громкости на отметку 0,5-0,75. Следование этому правилу сделает ваши записи чище, яснее и музыкальнее.

Правило №3. Вы должны думать как продюсер

Все мы знаем, что с известными группами в студии работает не только звукорежиссер, но и продюсер. Чем занимается этот человек? В отличие от российского понятия «человека при деньгах», продюсер в студии руководит записью и отвечает за то, как должна звучать песня. Продюсер рассказывает, какой звук должен получиться в итоге, и уже на основании этих слов звукорежиссер выбирает микрофоны и предусилители, и подыскивает им оптимальное место в пространстве.

В своей студии вы сидите на двух стульях сразу, выступая и в роли звукорежиссера, и в роли продюсера. Только от вас зависит, как в конечном итоге будет звучать песня. Определиться с её саундом вы должны до того, как нажмете на красную кнопку. Ваша задача — нарисовать звуковую картину песни и перенести ее на реальную запись.

Забудьте о вопросе «Хорошо ли звучат барабаны в миксе?». Спрашивайте себя: «Какой звук ударных я хочу получить?».

Существует методика, помогающая научиться думать как продюсер. Выберите 3 любимые песни своих любимых исполнителей и опишите их звучание прилагательными. Как вы опишете саунд ударных? Какой вокал в этих песнях? Что вам нравится или не нравится в этих записях и почему?

Если вы будете руководствоваться этими тремя истинами, то результат оправдает все ожидания. Получить отличный звук можно только думая как продюсер, найдя лучшее местоположение для микрофонов и ведя запись на нормальных уровнях громкости. Отличный звук вряд ли придет с первой попытки, но со временем вы будете получать его намного быстрее и проще. Помните, что все приходит с опытом.

Запись звука — это не наука, а искусство. Вы можете научиться этому и развить свои навыки.

Редактирование

Я обожаю современную цифровую звукозапись за возможность легко поправить, отредактировать и улучшить свое (или чужое) исполнение. Это дает музыкантам еще один эффективный инструмент достижения лучших результатов в студии.

В до-цифровую эпоху редактирование записанного материала было настоящей болью. Звукорежиссеры брали бритву, нещадно резали пленку, а затем кропотливо склеивали ее в нужных местах. Сегодня все действия по подрезке, копированию, склейке, сдвигам, вставке и любой другой редактуре делаются в два клика и без ущерба качеству звука.

Цель этапа редактирования — навести порядок в записанном аудио, подтянуть и исправить все не понравившиеся моменты. Браться за правки нужно строго после того, как вы все запишете, но до того, как вы начнете сведение.

Несмотря на простоту процесса, редактирование — опасный процесс. Вы постоянно ходите по краю: грань между реальным улучшением и порчей тонка, вероятность перестараться и убить всю жизнь в записанном материале как никогда высока.

Когда дело доходит до редактирования, я разбиваю процесс на четыре шага. Такой подход позволяет обезопасить материал от излишних правок и превращения его в непонятную мертвую звуковую субстанцию.

Шаг 1. Работа с дублями

Во всех DAW есть возможность записи нескольких дублей одной и той же партии инструмента. К примеру, вы можете записать три разных дубля вокала, чтобы затем по кусочкам собрать из них один, но самый лучший вариант исполнения (куплет из первого дубля, припев — из второго, второй куплет — из третьего).

Прежде чем редактировать что-то, пройдитесь по всем дорожкам и всем имеющимся дублям. Выявите, какие части партии и в каком дубле звучат лучше, и определитесь, что и где вы будете использовать. Желательно выписать все на бумагу, чтобы не запутаться во время сбора конечных дублей.

Шаг 2. Правка вокала (автотюн)

Я работал как с хорошими, так и с плохими вокалистами, и могу сказать, что автотюном пользуются все. Вне зависимости от того, используете вы Melodyne или Auto-Tune, коррекция высоты звука — обычный студийный инструмент.

Пение в студийном окружении далеко от естественной среды вокалиста. Порой даже самые профессиональные и опытные певцы не могут настроиться должным образом и записать в студии идеальный дубль, хотя пели этот материал на концертах сотни раз, без каких-либо ошибок. Поэтому не мучайте себя и вокалиста в надежде записать идеальный дубль, а просто примите коррекцию питча как должное (это не значит, что вы должны всегда полагаться только на автотюн и не стараться петь вообще).

Корректоры питча — нормальная и естественная вещь, если пользоваться ими только в случае необходимости.

Шаг 3. Чистка лишних призвуков

После сборки дублей и правки вокала я берусь за чистку партий от всевозможных нежелательных призвуков. В случае с пением, это могут быть какие-либо придыхания, вздохи и звуки смыкания губ, появившиеся случайным образом во время записи (физиологию никто не отменял).

В случае с музыкальными инструментами речь идет о лишних случайных «хрюканьях» гитары, неприятных призвуках от касания струн, и других сигналов, неожиданно попавших в поле зрения микрофона. Я слышал десятки хороших песен, впечатление от которых моментально портилось из-за случайных вдохов вокалиста, которые звукорежиссер поленился устранить. Если бы авторы потратили чуть больше времени и устранили эти мелкие недочеты, то их песни звучали бы приятнее, выглядели бы более отполированными и профессиональными.

Одни звукорежиссеры считают, что нужно устранять все, даже едва заметные призвуки, другие предпочитают избавляться от звуков выборочно. Я придерживаюсь гибридного подхода без перегибов в одну из сторон. Порой небольшие неточности могут придать песне больше жизни и динамики, поэтому устраняйте только те недочеты, которые портят трек.

Недостаточная чистка сделает аудио слишком грязным, его будет неприятно слушать. В то же время избыточная чистка сделает звук слишком стерильным и безжизненным. Придерживайтесь золотой середины.

Шаг 4. Квантование баса и ударных

Возможность редактирования записанного аудио часто приводит к неконтролируемому желанию поправить вообще все — музыканты маниакально начинают редактировать даже те партии, которым это не нужно. Не попадитесь в эту ловушку.

Править нужно только то, что требует правок.

После чистки гитар и вокала, я перехожу к квантованию баса и ударных, но делаю это без фанатизма, только в случаях явной необходимости. Не нужно двигать каждый удар по рабочему и каждую ноту, чтобы они четко совпадали с сеткой — правьте только явные расхождения и моменты из разряда «мимо кассы».

Главное правило, которое нужно усвоить при редактировании записанного материала звучит так: любая малейшая правка может иметь далеко идущие последствия. Иногда небольшая корректировка делает звучание намного лучше, но нередки и обратные случаи, когда небольшие правки тут и там портят песню. Все должно звучать естественно и аккуратно. Не лишайте песню жизни и правьте только явные недочеты.

Сведение

Звукозапись фиксирует музыку, редактирование — полирует. Сведение заставляет записанный материал вырваться из динамиков и предстать перед слушателем в самом лучшем свете.

Сведение — это такой момент работы, когда вы берете все обилие записанного материала и с помощью панорамирования, выставления уровней, эквализации, компрессии и работы с эффектами маскируете слабые стороны инструментов и подчеркиваете сильные.

Одни музыканты не придают сведению должного значения, другие — уделяют ему слишком много времени. Однако мудрый музыкант рассматривает сведение как важный, но довольно простой этап работы над песней.

На мой взгляд, сведение должно быть сделано таким образом, чтобы в дальнейшем (на последнем шестом этапе) вам оставалось вносить только мелкие «косметические» правки, связанные с громкостью и панорамой. Чтобы добиться такого результата стоит разбить на 5 основных фаз.

Фаза 1. Громкость и панорамирование

Одна из важнейших вещей, которые вы должны сделать — это зациклить песню и потратить на подстройку уровней громкости и панорамы столько времени, сколько потребуется. Работая только регуляторами, вы должны сделать так, чтобы ни один участник микса не тянул одеяло на себя и не лез вперед. У каждого инструмента должно быть свое, строгое место в миксе, а общая картина должна быть сбалансированной.

На этапе работы с уровнями и панорамой забудьте об эффектах. Ваша цель — сбалансированное звучание.

Хорошим подспорьем во время первой фазы станут техники интуитивного сведения или сведения Top Down Mixing. Делайте 10-минутные подходы к миксу и расставляйте инструменты ушами, а не глазами. Положитесь на свои чувства, чтобы найти такой баланс инструментов, который лучше всего продемонстрирует все плюсы песни.

Фаза 2. Эквализация

Эквалайзер — ваш лучший друг. Это самый полезный и мощный инструмент в достижении чистого и приятного звучания. Вырезайте все плохие частоты, подчеркивайте сильные стороны инструментов и освобождайте пространство для каждого участника микса.

Я предпочитаю субтрактивную эквалазацию и считаю, что эквалайзер — это скорее инструмент подрезки, чем усиления частот. Благодаря такому подходу можно получить более ясные и чистые миксы, в которых достаточно пространства для всех участников.

Фаза 3. Компрессия

Компрессор — ваш лучший друг сразу после эквалайзера. Компрессия — это сложно, но вместе с тем возможности компрессоров очень широки. С их помощью можно не только управлять уровнем громкости инструментов, но и добавлять им «жира», «мяса» и энергии.

Чтобы упростить себе жизнь, смотрите на компрессор не как на сложный процессор обработки аудиосигнала, а как на простой автоматизированный фейдер громкости.

Фаза 4. Реверберация и дилэй

Как только у вас на руках окажется хорошо сбалансированный микс, прошедший чистку эквалайзером и улучшение компрессией, принимайтесь за эффекты окружения. Реверберация и дилэй заставляют звучать сухие треки более качественно и живо, легко и воздушно.

Излишняя обработка реверберацией и дилэем может испортить треки, сделать их звучание слишком замыленным. Чтобы обезопасить себя, воспринимайте реверберацию как «клей», который помещает все треки в единое пространство. В свою очередь на дилэй и эхо смотрите как очевидный эффект для оживления слишком «сухих» инструментов.

Фаза 5. Автоматизация

Автоматизация — это необязательный шаг во время сведения. Тем не менее с помощью автоматизации вы можете сделать песню более живой и получить дополнительный инструмент для привлечения внимания слушателей.

Благодаря возможностям современного программного обеспечения вы можете автоматически управлять настройками плагинов, инструментов и регуляторов в разных частях песни. Проявите фантазию: расставляйте акценты, выводите инструменты на передний план или аккуратно убирайте их из микса в определенные моменты, включайте и выключайте эффекты. В общем, делайте все, что может придать песне и миксу больше индивидуальности.

Благодаря сведению происходит оживление песни: в миксе появляются краски, жизнь и красота. Не стоит недооценивать это.

Чтобы понять, какой эффект песне дает сведение, сравните эти два фрагмента. Посмотрите, как простые операции украшают звучание композиции.

Мастеринг

Мы наконец-то достигли финишной прямой, заключительного этапа работы над качественной песней. Добро пожаловать в таинственный мир мастеринга!

Мастеринг — это последний шаг перед тем, как песня увидит свет. Начинающие музыканты зачастую путают мастеринг со сведением и думают, что именно мастеринг заставляет песню звучать круто. На деле мастеринг — это самый тонкий и едва заметный этап во всей работе над треком.

Изначально мастеринг представлял собой процесс подготовки аудиоматериала к записи на источник — виниловую пластинку, кассету или компакт-диск. В целом, это справедливо и по сей день, хотя постепенно звукорежиссеры во время мастеринга стали проводить дополнительную обработку аудио эквалайзером, компрессором, максимайзером и другими эффектами и процессорами.

Я не буду вдаваться в рассуждения о сложности мастеринга и рассказывать о том, что в музыкальной индустрии существуют студии и звукорежиссеры, специализирующиеся только на этой процедуре. Вместо этого я предлагаю вам простой и понятный чек-лист из двух шагов, объясняющий, что вы должны сделать с песней перед тем, как показать ее всему миру.

Шаг 1. Сравнение с профессиональным миксом (референс-трек)

После того, как вы свели песню, пришло время убедиться, что она звучит не хуже профессиональных записей. Процесс сравнения с референс-треком — одна из самых эффективных вещей, которую вы можете сделать для заключительного улучшения своей песни.

Возьмите профессиональный микс в том же стиле, импортируйте его в проект. Затем уменьшите громкость про-записи до аналогичного вашей работе уровня. Делая профессиональную запись громче и тише своего трека, вы сможете понять, чего не хватает саунду песни для достижения похожего, коммерческого, качественного звучания.

Порой небольшая пост-обработка эквалайзером на мастер-канале может внести существенные изменения в звучание всей песни. Это, в свою очередь, приблизит саунд вашего трека к профессиональной записи и сделает общую картину качественнее.

Шаг 2. Выведение громкости микса на коммерческий уровень

Теперь, когда ваш микс стал ближе к профессиональному примеру, пришло время вывести громкость на стандартный для индустрии уровень.

Каждый из нас сталкивался с ситуацией, когда миксдаун проекта при прослушивании в машине или через аудиосистему звучит намного тише в сравнении с другими песнями или тем, что мы слышали в окне DAW.

Секрет успеха в вопросе итоговой громкости — лимитер. Чтобы обработать сигнал лимитером, вам не нужно дополнительное программное обеспечение для мастеринга, все средства уже есть в вашей DAW. Поместите лимитер на мастер-канал и доведите громкость до нужного уровня, или воспользуйтесь скоростной методикой из видео ниже.

Конечно, мастеринг — это более комплексная процедура. Тем не менее, в условиях домашней студии вам нужно сделать две основные вещи: сравнить свой трек с профессиональным миксом и воспользоваться лимитером для достижения коммерческих уровней громкости. Этого будет более чем достаточно для песен, которые вы выложите в Интернет.

Время делать музыку

Вот и все. У вас на руках есть карта действий, которые необходимо совершить, чтобы получить качественную запись в своей домашней студии. Теперь вы знаете, что качественный трек начинается с написания хорошей песни и аранжировки, процесс записи — это момент, где происходит магия, а любые слабые места инструментов можно скрыть во время сведения.

У вас есть вся необходимая информация для того, чтобы создавать качественную музыку. Все, что вам осталось — начать этим заниматься! Единственный гарантированный способ создания качественной музыки — постоянное написание, запись, сведение и выпуск музыки. Добиться лучших результатов можно только через постоянную практику. Самое классное в этом то, что постоянная практика приносит вам удовольствие, ведь вы — музыкант.