Интервью с лидером группы «Магелланово Облако» Сергеем Дворецким о музыке коллектива, проблемах левшей-гитаристов, ротации на радио и восприятии творчества.
Образованный в 2010 году музыкальный коллектив «Магелланово Облако» за время своей жизни успел полюбиться российским слушателям. В активе группы 8 полноформатных альбомов, 9 синглов, участие в огромном количестве фестивалей, а также работа с ирландским саундпродюсером Томми МакЛафлином (Villagers) и мастеринг-инженером Ричардом Доулингом, работавшим с Шинейд О’Коннор, Foo Fighters, Дэвидом Боуи и другими именитыми музыкантами.
Песни группы, совмещающие приятные мелодии и лирику, и стилистически находящиеся на стыке инди, рока и фолка, успели побывать в активной ротации на отечественных радиостанциях, а критики по достоинству оценили творчество коллектива.
5 февраля 2017 года группа представила сингл «Шифр», а накануне этого SameSound.ru удалось пообщаться с лидером группы Сергеем Дворецким. Разговор получился интересным.
SameSound.ru: Представьте группу читателям.
«Магелланово Облако» – продолжение моих музыкальных изысканий, начавшихся более 20 лет назад. Как коллектив, «Магелланово Облако» появилось 7 лет назад, когда накопленные идеи трансформировались в понятную для меня как автора форму, нашлись близкие по духу музыканты.
Название появилось интуитивно. Здесь нет каких-либо отсылок к одноименному произведению Станислава Лема, нет космологии. Мне кажется, что «Магелланово Облако» — это название, расширяющее сознание.
В таком случае, в каком музыкальном бэкграунде Вы выросли? Что слушали? Что повлияло на Вас, как на музыканта?
Вокруг меня всегда было много разной музыки: классической, этнической, популярной.
Большое влияние на меня оказала музыка 1960-х годов. Если говорить об исполнителях, которых я слушал и продолжаю слушать, то здесь и The Beatles, The Doors, Jefferson Airplane, T-REX, Боб Дилан, Дэвид Боуи, The Byrds, Electric Light Orchestra. Не прошел мимо меня и феномен брит-попа – Oasis, Radiohead, Pulp.
Тем не менее, я слежу за новыми веяниями в современной музыке, мне интересно наблюдать, что происходит в музыкальном мире.
В описаниях группы «Магелланово Облако» на просторах Сети группу характеризуют, как исполнителя инди, рока и фолка. Чего в Вашей музыке больше?
В нашем творчестве большего того, что на Западе называют «Singer-Songwriter». У нас почему-то это принято называть бардовской или авторской песней, но в нашем случае мы говорим о западном понимании этого термина. Речь о мелодике, тексте, авторском исполнении.
Есть элементы фолка, но они не основообразующие, то есть используются только для донесения музыкальных идей. В музыке «Магелланово Облако» встречается и виолончель, и клавишные, но это не делает нас исполнителями классической музыки.
Сегодня каждый второй исполнитель и коллектив пишет о себе, что исполняет инди, поэтому смысловая нагрузка этого слова несколько изменилась. Если же говорить об инди с точки зрения независимости творчества от лейблов, то да, мы занимаемся музыкой самостоятельно. Нас не поддерживают крупные лейблы, у нас нет спонсоров на сегодняшний день.
Сегодня музыканты чаще исполняют тяжелые стили музыки. На Ваш взгляд, почему молодые музыканты выбирают эти стили? Его проще исполнять, чем тот же фолк?
Я считаю, что музыка – это чистая энергия, которую получает человек. В тяжелой музыке эта энергия настолько яркая и мощная, что «врубает» человека практически сразу – не нужно никакой подготовки и специального настроя.
Да, тяжелая музыка проще для восприятия, в отличия от других музыкальных стилей, где человеку нужно стать элементом музыки, соучастником действа.
Мне кажется, когда слушатель становится соучастником музыкального процесса, то это приносит большее удовольствие. Люди погружаются в творчество, становятся с ним едины, трансформируются внутренне.
Я не противник тяжелой музыки, мне близко творчество System of a Down, Marilyn Manson, The Clash, Sex Pistols. Мне импонирует мелодика и энергетика тяжелых стилей.
Как строится работа над песнями в группе? Кто принимает основные решения?
Обычно я приношу песню с мелодией, текстом и некторым набором аранжировочных идей. Я рассказываю музыкантам, как слышу эту музыку и чего хочу получить, а они, в свою очередь, предлагают идеи.
У нас нет такого, что если песня готова, то мы больше не возвращаемся к работе над ней. Музыка – ситуационная вещь, которая требует доработок в зависимости от контекста.
Поэтому бывают случаи, когда по прошествии некоторого времени мы понимаем, что в той или иной композиции нужно что-нибудь переделать, добавить или убавить.
Часто переделываете песни?
Нет, не часто. Чаще получается так, что какие-то песни перестают «чувствоваться» нами, и мы не исполняем их, а какие-то, наоборот, начинают ощущаться по-новому. Другими словами, идет постоянная ротация музыкального материала.
Можно ли сказать, что Сергей Дворецкий — сторонник аналогового звучания профессиональных студий? Или Вы считаете, что материал можно записывать дома? Или все-таки оба суждения справедливы?
Все зависит от музыкального материала, от поставленной задачи. Метод записи зависит от конкретной песни.
К примеру, наш альбом «Условный Сигнал» записывался на студии в Москве, а затем «улетел» на сведение и мастеринг в Ирландию, потому что требовалось классическое аналоговое звучание. А альбом «Параллели» мы писали с баянисткой дома, не обращая внимание на оборудование – важнее были музыкальные эксперименты.
В этом году мы будем писать комбинированным путем, потому что одни песни можно записать в условиях домашней студии, а другие требуют более сложного подхода с точки зрения звука.
Знаете, иногда хочется записать все песни в аналоге, но… на это не хватит никаких средств. Поэтому, на мой взгляд, делать какие-то песни дома – совершенно нормально. Благо качество современных девайсов позволяет записывать материал отличного качества.
Для рядового слушателя нет разницы, как вы записали песни – процент тех, кто будет воспроизводить музыку на серьезной аппаратуре, небольшой. Поэтому важнее донести идею в приемлемом качестве, «зацепить» человека, а не поразить его техническими премудростями записи.
Вы левша. Учились играть в музыкальной школе или через зеркало?
У меня был тернистый путь. Когда я учился играть, у меня не было своего инструмента. Мне давали гитару знакомые правши, поэтому не имея возможности переставить струны в обратном порядке, я выучил аккорды в их зеркальном отражении. Потом уже я приобрел собственную гитару, где перетянул струны, а затем появились леворучные инструменты.
Если говорить о жизни группы, помогает ли это в продвижении группы? Обращают на это внимание?
Да, периодически обращают, говорят: «Ты же как Маккартни!» или «Ты прямо как Кобейн!». Я отношусь к этому с юмором. Но сам я забываю о том, что левша.
Хотя в этом есть определенные сложности. К примеру, есть трудности с коммутацией и поиском расположения на сцене таким образом, чтобы провода и кабели не мешали ни тебе, ни другим музыкантам.
В конце прошлого года «Магелланово Облако» участвовало в «Битве за эфир» на НАШЕ 2.0. Стоит ли пытаться попасть туда?
Попасть в «Битву за эфир» не так сложно, все условия описаны на сайте проекта. Во время участия в «Битве» песня группы прозвучит на радио, что, теоретически, расширяет аудиторию слушателей.
Тем не менее, я бы не советовал музыкантам надеяться, что ротации на радио как-то изменят жизнь группы. Возможно, о вас заговорят в музыкальных кругах, или вырастет посещаемость концертов, но возможно и такое развитие событий, когда радиоэфир никак не повлияет на судьбу музыкального проекта.
Так что уповать на это не стоит. Понимаете, продвижение группы должно быть продуманным и происходить по разным направлениям, среди которых радио отнюдь не основное.
Продолжая тему радио, вы несколько раз выступали в эфире Своего Радио. Как вы смотрите на этот проект? Какие плюсы от него получают музыканты?
Выступать на Своем Радио интересно. Семен с Юлей (Семен Чайка и Юлия Дубова — руководители «Свое Радио» — прим.ред.) проделали большую работу, чтобы добиться отличного качества звучания. По итогам эфира музыкант не только может показать свое творчество, но и получить запись выступления с хорошим звуком.
Это хорошо, что у музыкантов появилась возможность заявить о себе. Свое Радио чувствует себя свободнее, не ограничено какими-то рамками рынка, стиля, формата. Поэтому сегодня мы можем услышать в эфире рок, завтра – фолк, а еще через пару дней – альтернативу или метал.
Знаете, у нас в стране слабо развиты небольшие радиостанции. На Западе многие популярные коллективы и исполнители стали известны широкой публике за счет попадания на локальные радиостанции. К примеру, так произошло с группой R.E.M.
Поэтому мне кажется, что Свое Радио – это аналог локальной станции, откуда исполнители могут заявить о себе.
Кстати говоря, чем пользуетесь на концертах?
Мы используем минимум каких-то «добавок», стремясь к более аналоговому и естественному звучанию на концертах.
Я играю на электроакустической гитаре, подключенной к гитарному или вокально-акустическому процессору, где сигнал обогащается реверберацией и компрессией. Вокал немного полируется эквалайзером.
Бас-гитарист группы Илья Сосницкий добавляет к звучанию инструмента хорус. Синтезатор использует стандартные библиотеки звуков. К виолончели добавляем эмуляции микрофонов из отдельной педали, чтобы обогатить звучание пьезодатчика.
Раньше играли под плейбэк, но постепенно отказались от этого – теряется динамика, нет поля для маневра в рамках минуса и метронома.
Говоря о музыке, Вам не кажется, что люди перестали воспринимать творчество, как что-то цельное? Слушатели мыслят плейлистами, где рядом могут соседствовать совершенно разные стили и исполнители.
90% людей слушают музыку фоном: во время работы, в дороге, для чего-то еще. Я вижу проблему в том, что из-за этого восприятие музыки теряется, значимость творчества меняется. Мы разучиваемся воспринимать идеи, заложенные в творчество.
Нужно понимать, что ты слушаешь, и знать, что звучит, улавливать его смысл. Ведь музыка может менять мировоззрение, оказывать положительное воздействие на людей.
С другой стороны, все развивается по спирали. В 1960-1980-е исполнители не боялись концептуальных работ, а слушатели были готовы воспринимать такой музыкальный материал.
С течением времени люди потеряли потребность в этом, но это не значит, что концептуальность канула в лету. Рано или поздно запрос на более серьезные работы вернется.
Ситуация напоминает то, что произошло в кинематографе. Развитие онлайн-кинотеатров и прочих площадок для просмотра фильмов, казалось, убьет киноиндустрию, а люди перестанут ходить в кинотеатры. Тем не менее, зрители просто оценили удобство: теперь можно смотреть фильмы как дома, так и в кинотеатре.
Напоследок, дайте совет начинающим музыкантам.
Будьте всегда окружены музыкой. Если не пишете, не репетируете, не записываетесь, то просто слушайте музыку. Я считаю, что музыкант может не слушать музыку только когда спит.
Все остальное время посвящайте любым аспектам работы с музыкой. Постоянно впитывайте новую информацию, это обязательно принесет свои плоды.
