in

Александр Пушной: «Людям все равно, как записаны песни»

Александр Пушной — о звукорежиссерской практике, YouTube-канале, музыкальной индустрии в России и самодостаточности творчества.

Александр Пушной интервью

Александр Пушной — музыкант и телеведущий, композитор и шоумен, да и просто человек, чья деятельность вызывает неподдельный интерес. Кто-то знает Александра по деятельности в КВН, кто-то — в качестве ведущего популярной некогда программы «Галилео», а кто-то — как лицо рекламы М.Видео.

Для музыкантов Александр Пушной — это человек, который ведет крайне интересный YouTube-канал, записывает позитивные (и не всегда) песни «малой кровью» и дает полезные советы в максимально понятном виде. Мы встретились с Александром и поговорили о том, как он начал свой музыкальный путь, расспросили о секретах звукозаписи, поразмышляли о будущем музыки и оценили отечественную музыкальную индустрию.


Записки практика

SameSound.ru: В отечественном интернете наблюдается практически полное отсутствие сайтов для музыкантов. Начинающим и любителям некуда заглянуть за новыми знаниями. Ваша деятельность в области обучения — попытка исправить проблемную ситуацию?

Александр Пушной: Сложно научить человека чему-то в области звукорежиссуры от начала и до конца: нельзя однозначно сказать, с чего нужно начать, чем продолжить и закончить свое обучение. Всем, кто планирует заниматься звуком серьезно, я советую поступать в специальные учебные заведения.

Если говорить обо мне, то у меня нет какого-то централизованного источника информации о музыке, нет базы или системы обучения, или какого-то каталога собственных материалов по музыке. Мир постоянно меняется, а нам нужно подстраиваться под эти изменения.

Мои публикации в интернете — это такие записки практика, опыт человека, который плотно занимается музыкой и звукозаписью примерно с 1990 года. Это полезная информация для всех, кто хочет заниматься музыкой дома на любительском или полупрофессиональном уровне. Все, что у меня есть, попадает в том или ином виде в сеть и набирает большое количество просмотров без всякой рекламы. Это особенно приятно.

С чего начинались эти самые «записки практика» в 1990 году?

Все началось даже раньше, еще в юношестве. Сначала я пытался подражать любимым исполнителям, а затем захотелось создать свою группу и записать материал.

Мы сидели дома и использовали все доступные возможности. Запись велась на кассетный магнитофон с встроенными микрофонами. Из инструментов у нас было пианино, пионерский барабан в роли ударной установки и акустическая гитара, в которую мы встроили электроприставку. Это такое устройство из двух датчиков, превращающее обычную акустику в некое подобие электрогитары. С такого набора я и начал свой музыкальный путь.

Уже позднее у меня появился первый компьютер на базе Intel Pentium с частотой 120 МГц, хотя друзья говорили, что я зря трачу деньги и мне хватит процессора Intel x486. Там был жесткий диск на 500 МБ, который я дополнил вторым диском на 1 ГБ. Друзья тоже удивлялись, крутили пальцем у виска и спрашивали, что же я собираюсь такое хранить. Еще в компьютере была встроенная аудиокарта, ее название я помню до сих пор — Turtle Beach. Это была примитивная карта, с огромными ограничениями в возможностях звукозаписи и использования сэмплов.

Компьютер был медленным, не давал записывать более 4 дорожек одновременно, а об их воспроизведении и вовсе не шло речи — не хватало скорости чтения жесткого диска. Думаю, говорить о использовании плагинов на каждой дорожке излишне.

Это было где-то в середине 1990-х, и такой компьютер стоил порядка $2 000. Сегодня за эти деньги в любом магазине, но желательно в М.Видео, можно купить компьютер раз в 20, а то и 50 мощнее. При этом современный компьютер не будет накладывать ограничений на работу в студии.

INTEL PENTIUM

Процессоры пятого поколения Intel Pentium были представлены 22 марта 1993 года. Изначально ожидалось, что новые чипы, которые заменят процессоры Intel x386 и x486 получат название x586. Вместо этого Intel зарегистрировала торговую марку Pentium, чтобы защитить свои разработки и покупателей от более дешевых клонов других фирм.

Процессор, о котором говорит Александр, — это Intel Pentium P54CS с тактовой частотой 120 МГц, поступивший в продажу 27 марта 1995 года.

Затем я стал развиваться вместе с оборудованием. Сначала мне открылся формат .WAV, о котором мне рассказал один из моих друзей. Друг говорил, что существуют какие-то «вавчики», а я воспринимал это слово как производное от детского «вава», ассоциирующегося у меня с маленькими ранками, и искренне недоумевал. Чуть позднее оказалось, что это специальные файлы внутри компьютера, которые воспроизводят записанный материал с нужной частотой дискретизации и битностью. Тогда казалось, что ничего лучше в жизни нет и не будет, поэтому остается только купить хороший компьютер, который запишет все по дорожкам.

Ну а дальше все пошло своим чередом: развилась многоканальная запись на компьютере, миру открылись сэмплы, появились VST-библиотеки, MIDI-клавиатуры и многое другое. Как я и сказал, по мере развития оборудования и повышения его доступности развивался и я.

На ваш взгляд, какой реальный необходимый минимум нужен музыкантам сегодня?

Я всегда находился в эдаком low-cost формате, потому что не было денег на хорошее оборудование. Порой мне кажется, что мои ролики интересны людям как раз за счет того, что я практически ничего не использую во время записи — только компьютер, гитара, аудиокарта и пара проводов, чтобы все это соединить.

Конечно, надо бы все делать вживую, идти в студию с хорошими мониторами, микрофонами, системой АЦП/ЦАП преобразования. Все это придумано не просто так и дает существенную разницу в итоговом звуке, но доступно такое удовольствие не для всех.

Так или иначе, но для большинства людей все возможности звукозаписи, пускай даже примитивные, давно поселились прямо в доме в собственном компьютере. Компьютер стал полноценной студией. В итоге, конечно, получается не то, что получается в какой-нибудь студии в Лос-Анджелесе, но для решения большинства задач более чем достаточно того, что есть у вас дома.

Постоянная покупка нового оборудования — это оправдание своей творческой беспомощности.

Минимально, что нужно человеку для донесения своих музыкальных идей и занятий музыкой — это гитара, ноутбук (так мобильнее), наушники, микрофон, пара кабелей и внешняя аудиокарта (см. Звуковые карты для домашней студии звукозаписи: 40+ лучших моделей). Можно обойтись и внутренней картой, но это ограничит возможности работы с сэмплами и виртуальными библиотеками.

Посоветовать конкретные модели устройство для начального этапа не могу, но могу сказать, на что нужно ориентироваться. У аудиоинтерфейса должны быть как минимум два входа и хороший микрофонный усилитель. Что касается микрофонов, то не надо брать какой-нибудь запредельный Neumann, начните с универсальной модели от AKG. Пусть это будет динамическое устройство, которым можно записать и вокал, и инструменты (см. Микрофоны для записи вокала: 30 лучших моделей).

Понадобится секвенсор — ставьте любой, про который вам кто-нибудь рассказал. При этом предпочтение отдавайте тем программам, разработчики которых продолжают их поддерживать и развивать, а также тем, с которыми работают ваши более опытные друзья (см. Программы для записи музыки: мифы, общие советы и обзор популярных DAW). Я бы советовал смотреть в сторону Pro Tools. Эта программа считается мировым стандартом в звукозаписи, да и научившись работать с ней — вы сможете разобраться с любым другим секвенсором. Да и вообще приятно приходить на студию, где есть Pro Tools.

Дальше все просто — выбирайте плагины и библиотеки на свой вкус. В отличие от 1990-х, сегодня количество софта исчисляется тысячами самых разных разработок. При этом я прекрасно понимаю нынешнюю экономическую ситуацию, поэтому для начала можно скачать нужный софт на известных площадках. Я никого не призываю заниматься пиратством, но считаю, что на первых порах можно обойтись и «свободными» версиями софта.

Все это откроет дверь в дивный новый мир музыки, разбираться в котором можно всю оставшуюся жизнь. А поделиться своим творчеством со всеми желающими проще простого — всего-то и нужно отрендерить получившийся файл, да закинуть его в социальные сети.

Пусть для начала не нужно многого, часто музыканты становятся подвержены Синдрому приобретения оборудования (см. Что такое Синдром Приобретения Оборудования). Как у вас обстоят дела с ним?

Я ничем не отличаюсь от других музыкантов и также подвержен влиянию этого синдрома. Одна время у меня была очень тяжелая зависимость от новинок оборудования, но, к счастью, это прошло.

Раньше у меня была гитара за $200, на которой я записал почти все, что люди до сих пор слушают — те же каверы на Rammstein. Другой гитары у меня попросту не было. Затем у меня появилась возможность менять оборудования, а через мои руки прошло 15-17 разных гитар. На этом поиске я больше потерял, чем приобрел, особенно в финансовом плане, хотя опыт использования многих инструментов был бесценным. Сейчас у меня осталась одна гитара, которая меня всем устраивает.

Синдром приобретения оборудования — это классическая замена или оправдание своей творческой беспомощности покупкой новых устройств. Музыкант жалуется, что у него не получается новый интересный материал, но вместо того, чтобы расслабиться или напрячься и выдать что-нибудь эдакое, он ходит и страдает о 32-битной аудиокарте, которой пока что не существует. Или вздыхает о ламповом комбике, рассказывая, что его транзисторный девайс не дает реализовать все творческие задумки.

Фото — YouTube Александра Пушного.

Примеров может быть уйма. Я сам подвержен этому синдрому, но ничего не могу с ним поделать, поэтому давать советы не стану. Все-таки покупка плохого микрофона и запись на нем до потери сознания — тоже не дело.

Я считаю, что любое оборудование должно сначала приносить удовольствие. Если при прослушивании музыки через мониторы ты не кайфуешь, то стоит поискать другие, чье звучание будет нравиться. Если же от оборудования получаешь удовольствие, то не надо ничего менять — ты нашел то, что тебе нужно в конкретный момент времени, а значит можно спокойно записываться, придумывать, работать над материалом.

А что касается аудиокарты, плагинов, гитары, марки струн или медиаторов — это вообще не важно слушателю. Это должно быть важно музыканту, но только с точки зрения получения удовольствия от игры и работы в студии. Если тебе приятнее играть на гитаре, на которой стоят струн за $500 и ты это осознаешь — это хорошо. Оборудование, инструменты и все, чего мы касаемся в студии в прямом и переносном смысле, повторюсь, должно приносить удовольствие. Именно поэтому все так долго ищут то, что подойдет именно им.

Студия и звук — это всего лишь красивое оформление картины. Содержание — вот, что на самом деле важно.

Хорошо, когда человек полностью понимает, чем владеет. Возможно это даже заставит его играть интереснее. Именно то, что ты играешь и кайфуешь от себя и своей игры слушатель заметить, а на все остальное ему наплевать. Я об этом много раз говорил, но хочу подчеркнуть еще раз: человеку, который слушает ваши песни, абсолютно все равно, как и на чем они записаны. Никто не заметит, что вы сняли крутое видео на айфон, ровно как никто не обратит внимание на то, что все снято на супердорогую камеру за 5 млн рублей.

О студии, звуке и индивидуальности

В любом случае, домашняя студия звукозаписи – это такая же студия. При наличии головы и прямых рук, никто не запрещает делать отличные записи.

Знаете, в истории музыки никто не было такого случая, когда тот или иной альбом или песня стали популярны только потому, что их записали в какой-то навороченной студии. Зато обратных ситуаций, когда криво-косо записанная песня стала популярна за счет содержания — предостаточно. Если есть желание творить, то начинайте с малого: возьмите гитару, микрофон и снимите себя на телефон. Вполне возможно, что послушав себя со стороны вы поймете, что большего пока и не надо.

Студия и звук — это такой багет, красивое оформление картины. Этот компонент может сработать, добавить что-то в материал, если сама картина хорошая. Но он может и испортить общее впечатление от произведения, если в материале нет содержания. Сам по себе качественный звук практически ничего не значит.

Звук, сведение и мастеринг влияют на общее впечатление от творчества исполнителя, но это далеко не первичные вещи. Многим артистам вообще не надо никаких студий — посмотрите на того же Семена Слепакова. Ему достаточно взять гитару, поставить перед собой микрофон или айфон, чтобы сделать очередную популярную песню. Слушатели ценят содержание и исполнение, а не качество записи. Я веду к тому, что если материал и его подача самодостаточны, то им не нужны аккомпанемент, какие-то студийные доработки.

Я не говорю, что на звук можно наплевать. Послушайте демо-записи Nirvana, которые активно издаются в последние годы. Если сравнить их со звучанием того же «Nevermind», то это небо и земля. Слушая их, ощущаешь энергетику, но невольно задаешься вопросом, а стала бы Nirvana такой популярной, если бы не кропотливая работа в студии?

В тот же момент, не трудно найти группы, чей успех держится на звуковом содержании творчества. Из старых коллективов сразу на ум приходят Pink Floyd, а среди новых групп вообще много экспериментаторов.

СТОИМОСТЬ ДОМАШНЕЙ СТУДИИ ПО ВЕРСИИ АЛЕКСАНДРА ПУШНОГО

Общий бюджет студии начального уровня — около $2 000-3 000. Сюда входят:

  • Электрогитара в районе $300;
  • Микрофон — $150;
  • Провода и коммутация — $100;
  • Аудиокарта — $200-300;
  • Компьютер — $1 000-2 000.

20-30 лет назад стоимость начальной студии была примерно такой же, хотя качество оставляло желать лучшего. Сегодня за эти деньги мы получаем просто фантастический уровень записи.

Можно сделать все еще проще: купить гитару за 10 000 ₽, поставить перед собой смартфон и записать с его помощью какое-нибудь видео.

В конце концов, на любое качество всегда есть свой слушатель.

Несомненно! 40 лет назад люди жили совершенно иначе, и, несмотря на примитивное оборудование и низкий уровень записи, музыкальная индустрия не умерла. Если задуматься, то в глобальном смысле все, что изменилось — это способ распространения музыки. Те же The Beatles стали очень популярными в США за счет того, что параллельно с успехом Битлов активное распространение получили виниловые пластинки. Если бы не это, то может быть в Америке никто и не узнал бы, кто такие The Beatles до похода на концерт.

Сегодня мы живем в другой реальности, где любой человек сидя дома в трусах может записать то, что посмотрит 100 млн. людей на YouTube. С такими успехами грех не поехать в тех же трусах по всей стране или миру.

Поиск собственного звука не должен становиться мучением. Надо будет — найдется, не надо — не найдется.

Чтобы жизнь музыканта стала проще, ему нужно понять две вещи: что на все есть свой слушатель, как вы верно подметили, и что никто никогда не знает, что будет популярно сегодня или завтра.

Мне кажется, что лет через 15-20 у нас появится возможность записывать великолепного качества песни только при помощи смартфона. И содержание песен будет важнее того, как они записаны.

Видимо, к этому все и идет.

Не удивлюсь, если так все и будет. Хотя развитие технологий порождает другую проблему — технологии создают огромное количество препятствий в вопросе индивидуализации артиста. У музыкантов появляется столько возможностей, что их индивидуальные качества как артиста стираются, выдвигая на передний план только умелую работу в студии.

Сейчас можно придти в студию и заявить, что вы хотите звучать как Green Day и вы будете так звучать. Многие ведь так и делают и в итоге звучат как их любимая группа. В итоге слушатели получают 20 грин деев, чье содержание намного хуже первоисточника, хотя качество звука находится на том же уровне, если не выше.

Недавно я сидел в жюри одного конкурса, где прослушал около 350 групп. Я был поражен, как качественно сегодня играют и записываются многие коллективы. Хорошая компрессия, динамический диапазон, отлично протюненный голос, дикая подача — это все, конечно, бодрит. Слушаешь такие группы и думаешь «Какой же кайф!». Но потом я понял, что больше всего мне запомнились те ребята, песни которых были записаны просто. Музыканты собрались вокруг микрофона и без изысков исполнили отличную песню в акустике. Все потому, что по нынешним меркам это было необычно и неожиданно.

Все-таки сейчас важнее найти какую-то свою фишку, неповторимый стиль, запомниться индивидуальными особенностями. Не важно, как это будет сделано: мощно и громко или тихо и скромно. Тем, кто нашел свой звук, свою гитару и комбик, нужно приложить все усилия, чтобы донести собственные звуковые особенности без ущерба самой музыке и энергетике. Любое перегибание с плагинами, эффектами и прочими вещами ведет к снижению уровня индивидуальности.

Фото — пресс-служба клуба «16 Тонн».

В таком случае, как нашли свой звук именно вы? Что можете посоветовать молодым коллективам в этом вопросе?

Да у меня и нет своего звука. Я как любой человек хорошо пародирующий других не имею собственного голоса. Стинг в одном интервью сказал отличную фразу: «Я благодарю Бога за то, что он подарил мне узнаваемый голос». Именно узнаваемый, а не хороший или красивый.

Что тут посоветовать? Не переставайте искать, пробовать, придумывать. Не надо посыпать голову пеплом и сокрушаться, что просидел три часа с гитарой и так и не нашел свой звук — это глупо. Надо будет — найдется, не надо — не найдется.

Как раз-таки посыпание головы пеплом проявляется у музыкантов чаще всего. Появляются постоянные отмазки для того, чтобы не заниматься музыкой, и рассказы о муках творчества, невозможности пробиться и так далее.

Ой, я считаю это все полнейшей глупостью. Это как с Синдромом приобретения оборудования, когда человек оправдывает свою лень или нежелание музицировать нехваткой чего-либо. Тут ведь все просто: нравится музыка — садись и занимайся!

У меня много друзей, которые занимаются музыкой без всякого финансового подтекста — им просто это нравится. И знаете, так случается, что все, кто занимался этим с упоением, в дальнейшем получали какие-то заказы. Постепенно люди стали сами спрашивать о том, кто автор той или иной идеи, как они добились такого звучания, просили сделать что-нибудь подобное. И, надо понимать, уже не за просто так.

Вот взять нашу встречу с вами. Мы встретились благодаря тому, что мои ролики есть в сети. В направлении звукозаписи и какого-то обучения меня раньше никто особо и знал: был только некий чувак в телевизоре, который ходил и кривлялся. Хорошо, если кто-то открыл меня с другой стороны или мои видео кому-то помогли.

Про YouTube и сведение собственной музыки

Раз уж мы заговорили о YouTube, то как пришла идея начать заливать видео с уроками на свой канал?

Предпосылки для этого появились еще в 2004 году, когда как такового YouTube еще не было. В один день я собрал все файлы на компьютере и отнес их в специализированную компанию, где мне сделали сайт pushnoy.ru, на который я залил весь архив наработок. Больших надежд на сайт я не возлагал, а сама мысль была простой: зачем файлам лежать без дела, если их могут послушать люди?

Постепенно файлы разбежались по людям, особую популярность получили кавера на известные песни. Я думал, что у меня появилась возможность делиться с людьми своим творчеством, но выяснилось, что сами по себе mp3 и midi-файлы не интересны онлайн-публике. Файлы требовали некой поддержки.

Для меня музыка — это в первую очередь хобби, а YouTube-канал — сборник того, что я сделал за все время.

Как раз тогда скорости Интернета в России увеличились, а скачивание mp3-файла перестало было семейным событием. Это еще раз подтвердило мою мысль о необходимости дополнения моего аудиоматериала чем-то еще. Стало очевидно, что лучшей поддержкой для аудио станет какой-нибудь видеоролик с незамысловатым видеорядом, благо формат YouTube позволял это делать. Тогда же аудитория сервиса возросла, люди стали легче и охотнее воспринимать аудиовизуальный контент.

В какой-то момент я понял, что мое творчество интересует людей меньше, чем производственная сторона дела. Меня все чаще спрашивали, как я записал ту или иную песню. Спрос на это сподвиг меня на выпуск видео «Как записать песню дома». Ролик постепенно набирал популярность, а потом его слила себе какая-то пользовательница YouTube, у которой он набрал 700 000 просмотров.

Какое суммарное количество просмотров у этого ролика?

В совокупности наберется полтора-два миллиона просмотров. Ролик вообще вызвал бурный интерес у публики: люди комментировали, соглашались и не соглашались с моими действиями, копировали мой опыт с разной степенью успешности. Это безусловно воодушевило меня.

Тем не менее, мне кажется, что для 90% посмотревших ролик это просто увлекательное путешествие в мир музыки, а моими советами и приемами они никогда не воспользуются в жизни.

Для меня музыка всегда была хобби — кто-то занимается спортом, кто-то собирает марки, а я занимаюсь творчеством. Не вижу в этом какого-то высокого искусства и не обижаюсь на то, что его не крутят по всем радиостанциям и телеканалам. Я занимаюсь музыкой просто потому, что мне это нравится, а YouTube — еще одна разновидность моего хобби.

Можно сказать, что канал на YouTube — это мой сборник песен, плейлист или один большой альбом. Мне нравится название той части YouTube, которая отвечает за управление каналом — «Творческая студия». Оно в значительной мере правдиво и точно обозначает то, чем является для меня мой канал. Моя творческая студия, где я занимаюсь своим хобби.

Все песни и ролики пишутся и снимаются дома? Как сводите музыкальный материал, который попадает на YouTube?

Если не считать те, которые снимались в Музторге, то да. У меня есть две точки для записи: на даче, где можно пошуметь, и дома, где шуметь нельзя. Я во время записи все равно стараюсь использовать какой-то промежуточный вариант: совмещать живое с неживым.

С недавних пор мне нравится, когда на гитаре меньше гейна, отчего гитара лязгает при игре. Некоторые песни пишу вообще без перегруза. Все зависит от настроения и моих желаний. Недавно открыл для себя эмулятор Positive Grid BIAS, которым и пользуюсь чаще всего.

Если говорить о барабанах, то для живых ударных использую серию плагинов CLA от Waves. Вешаю их на бочку, малый, тома, оверхеды. При записи акустических ударных никогда не выключаю микрофоны над томами, даже если они не используются в песне. Микрофоны томов собирают дополнительные звуки, что добавляет звучанию объемности. Мне так больше нравится.

Я бы хотел писать все с живыми ударными, но, к сожалению, под рукой нет барабанщика, который мог бы записывать придуманное мной в любое время. Из-за этого приходится играть все самому, но мои возможности в этом деле довольно скромные, поэтому я и не отказываюсь от виртуальных библиотек.

Во время работы использую все то же, что доступно любому из нас. К примеру, ударные делаю в Native Instruments Studio Drummer или Toontrack Superior Drummer 2.0 (см. Лучшие VST-барабаны, или Сам себе барабанщик). Раньше использовал Native Instruments Modern Drummer, но их звучание разонравилось. Звучание виртуальных ударных немного полирую параллельной компрессией. Здесь же главное понимать физиологию человека, наши возможности при игре на барабанах и как можно точнее передать динамику при игре.

В наши дни исчезло такое понятие, как «Альбом». Люди мыслят плейлистами.

По сведению у меня все просто: сначала свожу все по громкости, настраиваю панораму. Все делаю самостоятельно. У меня есть проблемы с выкручиванием громкости — дорожки постоянно ползут вверх, поэтому после двух часов сведения я опускаю все вниз на 8 дБ и начинаю заново. На выходе ставлю iZotope Ozone, которым с помощью пресета докручиваю звук до желаемого результата.

Я не стараюсь сводить все правильно, по приборам и показателям. Мой главный принцип в том, чтобы мне нравилось, как звучит песня, поэтому я действую не по правилам, а по ощущениям: нравится, не нравится, побольше вот этого, поменьше того. Как видите — ничего сверхъестественного.

Всем, кто это читает, хочу сказать: «Дерзайте, друзья!». Я много раз повторял и буду повторять, что мы живем в прекрасное время, когда от появления идеи до ее реализации может пройти не более дня, а на следующее утро уже можно дать эту идею послушать всем. Многие возразят, что они выложили ролик на YouTube, а вместо миллиона его посмотрели только 18 человек. Не переживайте: если ваше творчестве заденет каждого из этих почти двух десятков человек и они им поделятся, то постепенно количество удвоится, а затем утроится и далее по нарастающей.

В моей молодости это было физически невозможно. Мы записывали песни на кассеты, относили их друзьям, которые переписывали эти кассеты и отдавали их дальше. Это было долго и сложно. Сейчас достаточно скинуть песню всем в Фейсбуке или ВКонтакте и дело пойдет само.

Фото — пресс-служба клуба «16 Тонн».

О формате творчества, педагогике и рекламе

В 2015 году у вас вышел альбом «#Недошуток». Расскажите о работе над пластинкой, что нового открыли для себя?

Альбом писали в Киеве, где живут музыканты, с которыми я обычно играю. По этой причине выбор места дался легко. Это был второй раз в моей жизни, когда я пользовался профессиональной студией. В отличие от прошлого опыта, в этот раз у нас был саунд-продюсер, который давал советы, помогал довести все до ума.

Я решил пройти весь путь профессионального музыканта, у которого есть саунд-продюсер, поэтому соглашался со всем, что он мне говорил. То, что получилось в итоге меня устроило по качеству, хотя по смыслу это не совсем то, что я хотел. Все-таки для меня идеальный способ записи — это домашняя студия, где ты можешь остановить работу в любой момент, чтобы вернуться к процессу через пару дней.

Любая студия, за которую ты платишь деньги, — это своего рода спорт. Нужно работать быстрее, чтобы уложиться в бюджет, из-за чего все постоянно друг друга подгоняют. В итоге что-то не успевается, что-то не получается, а что-то становится не тем, чем должно было быть.

Я пришел к выводу, что если мы и будем что-то записывать в будущем, то это не будет альбомом в традиционном понимании. Это будет некий набор треков, каждый из которых записан дома на коленках. В принципе, так и получилось со сборником «Как правило — без правил!».

Самое главное, что я понял во время работы над «#Недошуток», — в XXI веке напрочь исчезло понятие альбома. Не знаю, хорошо это или плохо, но еще 20-30 лет назад альбомы имели какую-то концепцию со строгим порядком песен, который был важен для восприятия пластинки. Сейчас этого ничего нет.

Я вижу, что люди перестали слушать музыку альбомами, им некогда воспринимать музыку таким образом. Все происходит на бегу, поэтому на первый план выходит понятие трека, плейлиста. Люди размышляют плейлистами, в котором может быть любое количество песен, исполнителей, жанров. Плейлист — это альбом, который каждый наполняет по своему желанию.

Все можно слушать в телефоне, где собираются любимые песни, сборники того, что понравилось за все время. С появлением таких сервисов, как Apple Music, Яндекс.Музыка и Spotify, начинает вымываться и файловое потребление музыки. Все плейлисты переходят в облако, а у нас появляется постоянный доступ к любимой музыке, где бы мы ни были.

Если вдуматься, что такое альбом? Набор песен, записанный на один носитель, будь то винил, катушка, кассета или компакт-диск. Как только компакт-диски стали исчезать из повседневной жизни, то стало вымываться и понятие альбома.

Хотя я не думаю, что физические носители совсем исчезнут. Я знаю людей, которые продолжают слушать музыку альбомами и приучают к этому других. Некоторые мои друзья приходят домой, отключают все средства связи, наливают себе кофе или виски, садятся и просто слушают пластинки от начала и до конца.

Потребление музыки изменилось. Как и студийное оборудование, музыка стала доступнее.

Да, с развитием технологий изменился и подход к прослушиванию музыки. Приобщение к творчеству стало проще, а для того, чтобы услышать любимую песню, достаточно нажать всего пару кнопок.

Вот вам пример: у меня часто спрашивают, как скачать песни с моего сайта. Около каждой записи есть кнопка «Download», но по ее нажатию современные браузеры просто начинают проигрывать аудиозапись прямо в окне браузера. Люди уже начали забывать, что для скачивания нужно нажать правой клавишей на ссылке и выбрать «Сохранить как…». Все привыкли к максимально простому прослушиванию музыки.

Это возвращает нас к понятию «Творческая студия» с YouTube. В вашей творческой студии может появиться любой ролик: кавер на известную песню, просто известная композиция или процесс работы над песней. Пусть материал появляется не каждый день или каждую неделю, но здесь важно качество контента, а не его количество.

Если изменилось потребление музыки, то зачем все стремятся записать полноформатную пластинку?

Не знаю. Мне кажется, что молодым исполнителям стоит 10 раз задуматься, нужен ли им собственный альбом. Ну соберете вы нужные 12 песен, выпустите их на физическом носителе или через iTunes, попросите за каждую песню по рублю. Но это же ничего не даст: вас никто не знает, ваше творчество вряд ли будет востребовано у кого-то за рамками собственного круга общения.

И тут возникает вопрос: «Зачем вкладывать столько сил и средств, если можно бесплатно завести свой YouTube-канал, свой творческий уголок?». Выложите одно простое видео со своей музыкой, затем другое, потом повысьте качество видеоконтента и все понемногу двинется вперед.

У людей ценится идея, особенно в интернете. Если у тебя есть хорошая идея, и ты показал ее всем в Сети, то это будет цениться людьми намного больше, чем наличие альбома и кредита в банке на съемки 10 неинтересных видеоклипов на каждую песню.

В общем, как я и говорю, альбомы остались в прошлом и аналогов им я пока не вижу.

Фото — пресс-служба радиостанции Matryoshka Radio.

В принципе, тот же YouTube уже стал для многих исполнителей основным средством связи со слушателем. Ваши подписчики активно комментируют и задают вам вопросы под каждым роликом. Обращаются с просьбами научить чему-нибудь лично?

В последнее время часто просят научить играть на гитаре, но я всем отказываю. Как можно научить кого-то, если сам учился дома, наблюдая за любимыми исполнителями? И потом: что будет правильно, а что нет в моем преподавании?

У меня есть ролик, в котором я рассказываю, как делать искусственный флажолет на гитаре. Это такой прием, когда ты дергаешь струну, задеваешь ее пальцем во время колебаний и получаешь характерный гитарный визг. В свои времена мне никто не рассказывал о том, как это делать правильно. Как-то раз я совершенно случайно задел мизинцем струну — получился искусственный флажолет.

Поняв как так получается, решил записать соответствующий ролик, поделиться со всеми своими новыми знаниями. В видео рассказал необходимую теорию о том, как правильно делать искусственный флажолет, ну и заодно показал, как лично я извлекаю звук. Дополнительно объяснил, что можно делать такие флажолеты так, как удобно только вам.

Ролик набрал 250 000 просмотров, но сразу же посыпались комментарии по типу «Ты че?! Где вообще нашел такой молдаванский способ?», «Да кто ж так делает?!». Я объяснил людям, что не настаиваю на правильности своего способа, хоть теоретическая часть и была правильной, а просто показываю то, как получается извлекать подобный звук лично у меня.

Это я к тому, что если с точки зрения студийной работы у меня есть хоть какая-то база, то в вопросе гитарного преподавания все очень индивидуально. Я считаю, что если вы поняли принцип и у вас получается делать необходимое руками, ногами или даже носом, то это отлично — дерзайте!

Присылают ли слушатели или поклонники какие-нибудь треки на почту? Смотрите? Даете советы?

Бывает такое, но не очень часто. Да и я не берусь никого критиковать или судить, потому что не вижу в себе человека, который может дать дельный совет. Когда мне присылают что-нибудь на оценку сведения, я могу поделиться своим видением того, как бы я свел песню, но не более того.

У кого-то в записях торчит хай-хэт, но может так оно и должно быть? Может это не ошибка, а особенность композиции? Я могу сказать нравится или не нравится, но это субъективно. Люди же просят оценить их музыку или сведение объективно: «А не торчит ли у меня бочка?». Не знаю! На моих колонках не торчит, а у вас может торчать, а в больших порталах так и вовсе все будет плохо.

Еще раз говорю, людям это все совершенно не важно. Никто никогда не скажет: «Блин, какая хорошая песня, жалко, что бочка торчит!». Никогда такого не бывает в жизни! Люди могут подумать, что что-то не так с песней, выключат ее, но могут и продолжить слушать, если содержание будет привлекательным.

Молодым исполнителям надо понять, что все популярные и драйвовые хиты сделаны малым количеством инструментов. Если ты записал четыре дорожки гитары, добавил восемь дорожек сэмплов, кучу перкуссии и смешал это в какую-то кашу, то нужно подумать, что и зачем нужно песне. У меня у самого бывают такие случаи, когда я набираю много всего в одну песню. Но по мере отключения дорожек общая картина становится все лучше и лучше. Можете отказаться от какой-либо партии — откажитесь.

Послушайте Red Hot Chili Peppers, особенно живые выступления. Ребята играют втроем, при этом в их музыке всего достаточно, все качает, все классно.

Фото — пресс-служба клуба YOTASPACE.

А как насчет производителей? Предлагают рекламные проекты? Речь, конечно, не про М.Видео, а про более тематических рекламодателей – производителей гитар, оборудования, плагинов.

Ко мне обращались как-то пару студий с просьбой рекламы, но это были такие же домашние студии, как и у любого из нас дома. Я отказал им, да и на канале у меня нет никакой монетизации. У меня есть некоторые отношения с Музторгом: скидочная карта, которой я активно пользуюсь, плюс хорошие отношения с конкретным человеком внутри магазина — Мишей Жучковым.

Производители гитар — я и так для них все делаю. Мне кажется, что гитарные компании считают главной рекламой своей продукции людей, которые играют на их инструментах. И тут я с ними согласен. Если же говорить о производителях примочек, то они не особо про меня знают, да и реклама им не очень-то нужна. В России, в принципе, по поводу рекламы музыкальных товаров особо никто не заморачивается.

Людям все равно на чем ты играешь, а тебе надо просто получать удовольствие от игры на своем инструменте, о чем я уже говорил. Из этого следует, что тебе будет абсолютно все равно на советы каких-то дядей, рассказывающих, что вот эта гитара отличная, а эта — нет. Здесь ведь надо самому идти в магазин, пробовать разные инструменты и брать тот, который принес тебе удовольствие. Точно также и с примочками и любыми другими видами оборудования.

Вам может нравиться звук какого-то исполнителя, а узнать на чем он играет не сложно. Только никто не дает гарантий, что вам самому понравится играть на таком оборудовании. Я помню, как несколько лет назад на рынок попала новая педаль от Mesa/Boogie, которую активно рекламировали и говорили, что она во всем хороша. Я попробовал ее, мне она совершенно не понравилась и на этом мой интерес к этой вещи иссяк.

Скорее всего производители, которые думают как использовать меня в рекламе, сталкиваются с той же проблемой. Если я использую педаль Fulltone OSD, то это не значит, что она подойдет всем и ее непременно стоит купить.

Гитарные ролики, которые вы сняли вместе с Музторгом – это реклама или все-таки личный интерес и желание сравнить разные инструменты? 

История с видео была простая. Когда через мои руки стало проходить много разных гитар, то у меня появился логичный вопрос: какая между ними разница? Я полез в интернет в надежде найти ролик, где кто-то провел сравнение разных гитар. По итогам поисков мной не было найдено ни одного видео, удовлетворившего меня.

Одни авторы записывали свои сравнения на айфон, где качество не позволяло услышать разницу между инструментами. Другие и вовсе долго играли, и рассказывали про одну гитару, затем брались за следующую, но к тому моменту я уже напрочь забывал, как звучит предыдущий участник сравнения.

В итоге решил сделать тест гитар для себя: сыграть одну и ту же партию на нескольких гитарах, записать это все, нарезать по тактам и собрать в единую картину, которой можно бы было поделиться со слушателями и зрителями. Записал, сделал видео, выложил в интернет — людям понравилось. Все стали смотреть, комментировать, устраивать холивары в комментариях.

Фото — YouTube Александра Пушного.

Потом вместе с Мишей Жучковым из Музторга мы решили немного развить эту тему, сделав ее более провокационной. Взяли одну дешевую, одну дорогую и одну гитару средней цены, и получили обзор Телекастеров, который также набрал большое число просмотров.

Касательно популярности этих видео, мне кажется, что она кроется в честности самого процесса. Мы сделали все максимально ясно, открыто и прозрачно, а в конце так и вовсе устроили викторину, в которой я на слух угадывал гитары. Поначалу у меня это получалось, чему я был очень рад, но в конце концов меня постигло разочарование, когда я перепутал самую дорогую и самую дешевую модель.

Музторг как-то приглашал вас на московскую NAMM, где вы дали несколько мастер-классов. Что думаете насчет музыкальных выставок в России и индустрии в целом?

С выставками у нас все плохо, это факт. В прошлом году я ездил на NAMM в Лос-Анджелес — там все было на высшем уровне, производители старались удивить новинками и разработками, и это у них действительно получалось. Не хочу никого обидеть, но у нас пока что все можно описать фразой «сельский клуб».

Будут люди — будет индустрия, все зависит от этого. Во время Битлов в Лондоне насчитывалось около 10 000 музыкальных групп и из этого огромного числа появились The Beatles. У нас в Москве сейчас от силы групп 500, может 1 000. Я имею ввиду коллективы, которые реально занимаются музыкой, более-менее постоянно играют и выступают.

Чем больше будет групп и музыкантов, которые не боятся заниматься музыкой, тем лучше для всех. Индустрия сама начнет развиваться, если на то будет спрос. Просто многие занимаются не тем: вместо музыки задаются вопросом: «Ой, у меня всего сто баксов в кармане, как же мне начать музыкальную карьеру?».

В России нет никаких проблем с музыкой. Есть проблемы с музыкальной индустрией, да и те выражаются скорее в финансовом плане.

Если человек голодный, то ему все равно, чем питаться, какой вилкой это делать или какой рукой. Это как в фильме «Выживший», когда герой начал жрать сырую рыбу просто потому, что хотел есть. То же самое должно быть и в музыке — музыканту должно быть все равно, есть ли в России индустрия или нет. Точно также вам должно быть все равно, какую гитару вам посоветовал Александр Пушной. Берите то, что есть — и делайте свое дело.

На ваш взгляд, какова главная проблема музыки в России?

В России вообще нет проблем с музыкой. Музыку слушают? Да, слушают, а значит все хорошо. Пока у человека есть потребность в музыке, то музыка будет существовать. Здесь простая арифметика: все, что люди слушают — это популярно, что не слушают — не популярно.

Можно говорить о проблемах индустрии, сравнивать ее финансовые показатели, но с точки потребления музыки в России нет никаких проблем.

Следите за современной отечественной и зарубежной музыкой? Что слушаете сейчас?

По мере возможностей слежу за всем, что творится в музыкальном мире. Меня радует то, что я вижу на том же Нашествии, где мы выступаем на более свободной Сцене 2.0. Там много групп, которые задевают за живое и клево звучат.

Очень люблю коллектив «Тролль Гнет Ель». Ребята играют веселый хард-этно-рок, как я это называю. Еще нравятся F.P.G. — мощные, тяжелые, драйвовые парни, особенно живьем.

С точки зрения мировой музыки, то здесь каждые 3-4 месяца у меня происходят небольшие открытия. Кто-то из знакомых показывает мне очередного артиста, на которого я западаю, выкачиваю все альбомы и слушаю их от и до.

Сейчас плотно слушаю американского органиста Кори Генри. Это такой 22-летний паренек, в 2 года пошедший в церковь. Там он начал учиться играть на органе и сейчас делает это просто великолепно. Творит какие-то невероятные вещи, выкачивая из органа такую энергетику, такое движение в ритме, которого я никогда еще не слышал. Многие барабанщики берут его треки в качестве минуса, накладывают свои ударные партии и все вместе это звучит просто отлично!

Пройдет еще пара месяцев и мне откроется что-то или кто-то еще. Постоянно появляются новые артисты: одни делают достаточно проходной материал, а на других западаешь так, что еще долго не можешь слушать что-то другое.

Какие планы на ближайшее время у Александра Пушного?

В планах тихая творческая домашняя работа. Буду продолжать работу над каналом. Недавно у меня появилась восьмиструнная гитара и по этому случаю я сделал несколько экстремально тяжелых каверов. Еще запустил рубрику «Да ладно?!», в которой рассказываю о каких-то интересных вещах в известных песнях, о которых никто особо не знал.

Новые ролики буду выпускать по мере появления идей для новых видео. Выпускать очередной ролик просто так, чтобы было — это не про меня. Моя практика показывает, что мои ролики никогда не набирают миллионов просмотров в первые часы. Они набирают популярность постепенно и стабильно привлекают новых зрителей. Кто-то находит эти видео, делится с друзьями, которые тоже становятся подписчиками — это отлично.

Пользователи, конечно, ругаются, что я редко выкладываю новый контент, но из уважения ко всем, кто заинтересовался моей деятельностью на YouTube, я не хочу публиковать абы что. Моя цель — публиковать полезный контент с большим потенциалом к повторному просмотру. Видеоклипы на песни — это одноразовые истории для развлечения, а вот видео про звукозапись должны быть такими, чтобы за них не было стыдно мне самому.

Пожаловаться

Подписка
Уведомлять о
2 Комментариев
Межтекстовые отзывы
Посмотреть все комментарии